Jako montażysta filmowy, jednym z największych ograniczeń jest materiał filmowy, z którym musisz pracować. Kadrowanie i kompozycja to podstawowe pojęcia, które należy zrozumieć, jeśli chcesz przede wszystkim uzyskać niesamowity materiał filmowy. W tym samouczku poznasz siedem zasad, które zapewnią, że kompozycja ujęcia i kadrowanie będą wyglądać imponująco! Korzystanie z każdej z tych zasad w różnych sytuacjach nie tylko pomoże wizualniePomoże Ci to nie tylko zwiększyć atrakcyjność Twojej produkcji, ale także przekazać wyraźniejszy przekaz w Twoim filmie. Zanurzmy się!

Podsumowanie

Jak poprawić kompozycję ujęcia i kadrowanie

Kiedy mówimy o kompozycji, mówimy o tym, co widzi kamera. W związku z tym jest to również to, co zobaczą widzowie. Łatwo jest po prostu skierować kamerę w kierunku obiektu i pozwolić jej działać bez zastanowienia. Jeśli jednak poświęcisz chwilę na przemyślenie swojego ujęcia, pamiętając o tych wskazówkach, będzie to miało ogromny wpływ na Twój film.

1) Zasada trójpodziału

Zasada trójpodziału jest dobrze znana i prawdopodobnie już się z nią zapoznałeś. Podstawową zasadą jest to, że ujęcie będzie wyglądać lepiej, jeśli umieścisz punkty zainteresowania na trzecich częściach kadru. Możesz zwizualizować te punkty, wyobrażając sobie linie dzielące ekran na dziewięć bloków: trzy sekcje w pionie i trzy sekcje w poziomie.

Istnieje wiele teorii na temat tego, dlaczego zasada trójpodziału jest skuteczna. Jednym z powodów jest to, że ujęcie może mieć tak wiele konkurujących ze sobą punktów zainteresowania, a dodanie punktów zainteresowania w trzeciej części pomoże wyeliminować wszelkie niepotrzebne elementy rozpraszające uwagę. Pomaga to również ustawić ujęcie w taki sposób, aby pokazy Ogólnie rzecz biorąc, zapewnia to intuicyjne poczucie równowagi i kontekstu, które jest pomocne dla widza.

2) Symetria

Kolejną zasadą kompozycji jest tworzenie symetrii. Z jakiegoś powodu ludzkie mózgi dobrze reagują na symetrię. Po prostu dobrze wygląda i jest przyjemna w dotyku, a także tworzy poczucie harmonii i równowagi.

Wykorzystanie symetrii to świetny sposób na przedstawienie swojego punktu widzenia w tych scenariuszach:

• Aby oddać piękno sceny.
• Aby pomóc odbiorcom skupić się na temacie.

W rzeczywistości symetria jest jedynym przypadkiem, w którym złamanie zasady trójpodziału jest skuteczne. Jeśli chcesz, aby obiekt się wyróżniał, możesz umieścić go w samym środku kadru. Symetria jest często używana w momentach, w których postać przeżywa potężny moment. Przyciąga uwagę widza w wyjątkowy sposób.

Ale używaj go oszczędnie. Zdecydowanie najlepiej jest zachować go dla kilku przejmujących momentów. Ryzykujesz przekazanie odbiorcom sprzecznych komunikatów, jeśli jest nadużywany.

3) Linie wiodące

Widoczne linie w ujęciu podświadomie informują widza, gdzie powinien patrzeć. Linie są wszędzie: poręcz schodów, płot, przepływająca obok rzeka, drogi, tory kolejowe i tak dalej. To subtelny sposób na poprowadzenie widza w pożądanym kierunku, a jednocześnie dodanie elementu głębi do materiału filmowego.

Warto poszukać miejsc, w których można wykorzystać linie prowadzące w swoich ujęciach, takich jak w powyższym przykładzie. Gdy zaczniesz szukać, będziesz zaskoczony, jak łatwo je znajdziesz!

4. prowadzenie i przestrzeń nad głową

Zazwyczaj zasada ta jest używana w połączeniu z zasadą trójpodziału. Zasadniczo, przestrzeń nad głową Oznacza to, że czubek głowy postaci powinien zawsze znajdować się w kadrze. Jeśli głowa postaci jest odcięta, stwarza to wrażenie ciasnoty i niewygody, a także wygląda nieco dziwacznie.

Kiedy jednak chcesz złamać tę zasadę, jest to podczas zbliżenia i chcesz skupić się na oczach obiektu. Jest to niemożliwe do zrobienia, jednocześnie utrzymując głowę w całości w kadrze i trzymając się zasady trójpodziału w tym samym czasie.

Główny pokój Odnosi się do ilości miejsca obok postaci, gdy patrzy ona w określonym kierunku. Jeśli twoja postać jest zwrócona w lewą stronę ekranu, będziesz chciał, aby była bardziej po prawej stronie, aby zapewnić przestrzeń między nią a miejscem, w którym patrzy.

Jeśli są zbyt blisko miejsca, w którym patrzą, może się wydawać, że patrzą poza ekran, co wprowadza zamieszanie w umysłach widzów. Więcej miejsca przed postacią pomaga również widzowi lepiej umieścić świat w kontekście i zrozumieć, gdzie znajduje się podmiot i co dzieje się wokół niego.

5. Głębokość

Każde ujęcie ma pierwszy plan, drugi plan i tło. To, co zdecydujesz się pokazać (lub nie), wiele mówi o tym, co znajduje się w ujęciu.

Czasami w kadrze nie ma być nic poza postacią, ale w większości przypadków chodzi o osadzenie postaci w wykreowanym świecie i pokazanie, jak obiekt odnosi się do tego świata, w tym tego, co jest nieostre.

Na głębię sceny mają wpływ:

• Lokalizacja: gdzie strzelasz.
• Obiektyw: rodzaj używanego obiektywu i jego zdolność do zapewnienia głębi.

Wybór obiektywu ma kluczowe znaczenie i decyduje o głębi ostrości. Obiektyw szerokokątny będzie miał więcej miejsca na ostrość, co utrudni skupienie się na obiekcie poprzez rozmycie tła. Odległość między obiektem a tłem będzie również wyolbrzymiona w tym, jak daleko wygląda.

Obiektyw o dłuższej ogniskowej ułatwi uzyskanie płytkiej głębi ostrości (nawet przy tej samej wartości przysłony). Zasadniczo pozwoli to obiektowi bardziej wyróżnić się z tła. Sprawi również, że obiekty w tle będą wydawać się bliżej niż w przypadku obiektywu szerokokątnego.

Dokonane tutaj wybory pomogą odbiorcom określić, na czym się skupią, co uznają za ważne w scenie i jak postać odnosi się do otaczającego ją świata.

6) Rozmiar równa się moc

Zasada "rozmiar równa się mocy" brzmi prosto, ale ma ogromny wpływ na projekt. Jeśli obiekt zajmuje dużą część kadru, widzowie będą postrzegać go jako ważny. Jeśli zajmuje tylko niewielką część, jest nieistotny w szerszej perspektywie.

Zasada ta dotyczy zarówno obiektów nieożywionych, jak i postaci. Kadrowanie również ma tu znaczenie - na przykład, jeśli wybierzesz szerokokątne ujęcie kogoś stojącego na otwartej przestrzeni, może to dać wrażenie, że jest on nieco nieistotny. To samo ujęcie z bliska może sugerować poczucie kontroli.

Kąty kamery również odgrywają dużą rolę. Oglądanie obiektu z dołu może stworzyć wrażenie, że jest on dominujący, ponieważ publiczność (i postacie dosłownie patrzą na niego). Odwrotna sytuacja jest również prawdą. Widok obiektu z góry powoduje, że podświadomie czujemy, że jest on słabszy lub mniejszy.

7 Złam zasady

Wszyscy uwielbiamy dostawać pozwolenie na łamanie zasad! Chociaż te sześć zasad jest niezbędnych, jeśli chodzi o komponowanie przyjemnego obrazu w wizjerze, nie musisz trzymać się ich religijnie. Bądź kreatywny!

Pamiętaj, że chodzi o to, aby przekazać swoją wiadomość. Jeśli reguła trójpodziału posuwa historię do przodu, to świetnie! To powiedziawszy, może się zdarzyć, że zrobienie czegoś całkowicie sprzecznego z zasadami kompozycji będzie najlepszym sposobem na przekazanie swojego punktu widzenia.

Nie bój się robić czegoś innego. Jeśli nie jesteś pewien, czy coś zadziała, spróbuj nakręcić tę samą scenę na kilka różnych sposobów. Ujęcia testowe pozwolą ci lepiej zrozumieć, co najlepiej sprawdza się w twoim filmie. I oczywiście baw się dobrze!

Dodatkowe wskazówki dotyczące dobrej kompozycji

Zasada 180 stopni

Jako widz filmu lub wideo czujemy się tak, jakbyśmy oglądali akcję. W ten sposób kamera czasami zatrzymuje się na zbliżeniu jednego obiektu, a następnie innego, na przykład dwóch rozmawiających osób. Następnie może przejść do szerokiego ujęcia, w którym widzimy mowę ciała i więcej otaczających obiektów. Możesz sobie wyobrazić linię biegnącą przez scenę przez temat.

Ta wyimaginowana linia reprezentuje 180 stopni, które kamera widzi w scenie. Po ustaleniu, że widz patrzy z jednej strony, przeskakiwanie na drugą stronę pokoju jest kiepską kompozycją. Spowoduje to, że obiekty będą wydawać się przeskakiwać naprzeciwko siebie i patrzeć w złym kierunku.

Efekt złamania zasady 180 stopni można wykorzystać, jeśli celem jest wywołanie wstrząsu, ale aby zachować poczucie porządku, najlepiej pozostać po jednej stronie akcji, tak jakby kamera była widzem patrzącym na nią.

Kąty góra/dół

W wielu przypadkach warto fotografować obiekt na wysokości oczu, aby dać widzowi poczucie bycia częścią sceny. Można jednak również uzyskać dramatyczne efekty, fotografując pod kątem w górę i w dół w kierunku obiektu.

Fotografowanie pod kątem z góry daje widzowi poczucie władzy nad obiektem. Sprawia, że obiekt wydaje się słabszy i mniejszy. Można go również użyć w bardziej pozytywnym świetle, aby obiekt wydawał się bardziej potulny lub przyjazny.

Fotografowanie obiektu z niskiego kąta daje mu siłę. Sprawia, że obiekt wydaje się większy lub wyłaniający się. Może być imponujący i groźny. Można go również postrzegać jako coś, do czego należy dążyć lub co można osiągnąć, jak w przypadku ujęcia z góry na szczyt górski.

Użycie kątów w górę i w dół może być dość dramatyczne w kompozycji kadru lub może być subtelnie wykorzystane, aby postać wydawała się nieco wyższa lub niższa, aby uatrakcyjnić historię.

Znajdź sposoby na włączenie tych kątów, aby podświadomie poinformować widza, co powinien czuć w związku z tematem.

Im częściej będziesz przestrzegać i łamać te zasady, tym lepszym będziesz filmowcem. Zrozumiesz, w jaki sposób twoja kompozycja może skutkować określonymi rezultatami, wyglądem, atmosferą i uczuciami.

W ostatecznym rozrachunku ludzie nie odchodzą od Twojego filmu myśląc o poszczególnych ujęciach. Odchodzą z myślami, uczuciami i emocjami, a Ty możesz poprowadzić ich przez tę podróż. Siedem zasad lepszej kompozycji ujęć to tylko punkt wyjścia. Więc wyjdź tam i zacznij eksperymentować. Szybko zobaczysz, jak poprawią się Twoje produkcje!